L’animal sous le pinceau : du portrait anatomique au symbole moderne

(article écrit sans recours à l’Intelligence artificielle)

L’histoire de l’art occidental témoigne d’une profonde mutation du regard porté sur le monde animal. Longtemps cantonné au rang de motif décoratif, d’attribut allégorique ou de simple gibier, l’animal est devenu, au fil des siècles, un sujet à part entière, doté d’une présence physique, d’une intériorité et d’une force symbolique propre.

Au début du XVIe siècle, Albrecht Dürer (1471-1528) rompt avec la tradition médiévale en observant le vivant avec une rigueur pré-scientifique.

“Le lièvre” (lièvre de trois ans 1502) réalisé à l’aquarelle et à la gouache. Ce chef-d’œuvre montre une attention portée au rendu du pelage, des moustaches et du reflet de la fenêtre dans l’œil de l’animal. Dürer élève une humble créature des champs au rang de portrait individuel.  De même,“Le Rhinocéros (1515) est gravé d’après des descriptions et une esquisse d’un spécimen indien arrivé à Lisbonne – que Dürer n’a jamais vu de ses propres yeux-, ce bois gravé transforme l’animal en une créature fantastique, dotée d’une carapace aux motifs d’armure. Cette image s’est imposée dans l’imaginaire européen comme la représentation référence du rhinocéros pendant plus de deux siècles.

C’est aussi le peintre officiel des chasses royales sous Louis XV,Jean-Baptiste Oudry(1686-1755) qui s’impose comme le maître de la peinture animalière du siècle des Lumières.

L’artiste personnalisait les animaux lorsqu’il inscrivait le nom de chaque chien du roi en lettres d’or directement sur la toile comme “Misse et Turlu”.

Jean-Baptiste Oudry s’est rendu sur place à la ménagerie pour étudier les animaux vivants avec un grand souci de réalisme anatomique et de rendu des pelages comme “le Tigre”, peinture saisissante d’un grand fauve observée dans les cages de Versailles.

Son chef-d’œuvre est “le rhinocéros” Clara en 1749 pièce la plus spectaculaire et la plus célèbre de sa série sur les animaux exotiques.

Oudry l’a peinte grandeur nature 3,10 m sur 4,56 m, d’une précision anatomique exceptionnelle, la toile montre Clara de profil, pli par pli dans une lumière d’atelier. Cette œuvre va permettre d’être un modèle pour illustrer la célèbre “Histoire naturelle” de Buffon (1707-1788).

Puis lorsque Clara se trouve à Venise en 1751, c’est le peintre Pietro Longhi (1701-1785) qui l’immortalise. On la voit alors dans son enclos, dépouillée de sa corne, entourée de spectateurs vénitiens masqués.

Clara était une femelle rhinocéros arrivée en 1749 à Paris qui a déclenché un engouement populaire et mondain sans précédent. La haute société parisienne s’empare du phénomène. On crée des coiffures “ à la rhinocéros” (agrémentée d’une corne en bonneterie), des rubans, des almanachs, des tabatières et des pièces de vaisselle à son effigie. Son nom apparaît dans des chansons, des poèmes et Denis Diderot (1713-1784) la mentionne dans ses écrits scientifiques.

Au début du XIXe siècle, Théodore Géricault (1791-1824) incarne le romantisme à travers son obsession pour le cheval. Pour l’artiste, le cheval en effet n’est pas un simple moyen de transport ou une monture militaire, il est l’incarnation de la force brute, de la nervosité et de la liberté sauvage (“Cheval effrayé par l’orage”, “Le Derby d’Epsom”). Le peintre étudie assidûment l’anatomie dans les écuries et les abattoirs, il saisit la tension musculaire et la souffrance animale avec une intensité dramatique inédite.

Pionnière du réalisme et figure majeure de l’art animalier au XIX è siècle, Rosa Bonheur (1822-1899) accorda à l’animal une dignité égale à celle de l’être humain. L’artiste refuse de réduire l’animal à une ressource de travail ou à un simple décor. Dans des toiles majeures comme “Le marché aux chevaux” (1853) ou “Labourage nivernais” (1849), elle saisit la puissance physique, la lourdeur des anatomies et le regard conscient des bovins et des équidés. Fréquentant les foires aux bestiaux et les abattoirs, elle étudie l’éthologie animale avec une rigueur documentaire et une empathie profonde. Elle vivait au château de By à Thomery avec une véritable ménagerie comptant plus de 200 animaux (chevaux, moutons, chiens, chats, oiseaux, singes) dont un couple de lions qu’elle était parvenue à apprivoiser et qui se promenaient en liberté chez elle.

Au XXe siècle Pablo Picasso (1881-1973) réinvente la représentation animalière en intégrant le motif de l’animal à ses recherches cubistes, sculpturales et métaphoriques.

La “chèvre” (1950) réalisée à partir d’objets de récupération (un panier d’osier pour la cage thoracique,des éléments en céramique, du métal), cette sculpture en bronze montre comment Picasso redonne vie aux matériaux du quotidien pour évoquer la structure rustique, féconde et anguleuse de l’animal.

Tout au long de son œuvre (notamment dans “Guernica”(1937)) l’animal redevient un archétype primitif, vecteur de violence, de transe ou de tragédie humaine. En 1950, alors qu’il vit à Vallauris, Picasso reçoit un cadeau pour le moins inattendu de la part d’un bohémien de passage : une véritable chèvre vivante, rapidement baptisée Esmeralda.

Loin d’être installée dans un enclos à l’extérieur, Esmeralda devient un membre à part entière du foyer. Elle circule librement dans la ville “La Galloise”, monte les escaliers et dort dans l’atelier du maître, au milieu des peintures fraîches, des sculptures et des poteries. Le peintre s’attache profondément à l’animal. Il la promène en laisse dans les rues de Vallauris et l’emmène parfois sur la plage. Un jour, alors que Esméralda s’attaque aux rares plantes du jardin et grignote des papiers dans l’atelier, Picasso s’en amuse plutôt que de s’en agacer.

L’évolution de la représentation animale dans la peinture occidentale reflète la transformation de nos propres liens avec le monde vivant. D’un statut d’inventaire scientifique ou d’allégorie, l’animal est progressivement devenu un sujet à part entière, doté d’une sensibilité, d’une individualité et d’une présence esthétique autonome.

En faisant entrer le vivant dans l’atelier – du rhinocéros des foires au chat du salon [Leonor Fini (1907-1996]) –, les artistes n’ont pas seulement enrichi l’histoire des formes : ils ont tracé les contours d’une communauté de présence entre l’homme et l’animal.

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